リードシートはフルスコアではない――それが重要な点だ

トラックに含まれるすべてのパートを音符一つひとつまで書き起こしてセッションミュージシャンに渡すと、たいていは必要以上の情報を与えてしまうことになる。リードシートは意図的に最小限に絞られている。メロディ、コードシンボル、そして歌詞があればそれだけだ。曲の骨格であって、完全なアレンジではない。ミュージシャンが本物のパートを演奏できるだけの情報を渡しつつ、本人なりの解釈の余地を残しておくための標準フォーマットであり、デモをロボットのようになぞるだけの再現ではなく、セッションプレイヤーに求めたいのは大抵こちらのはずだ。

リードシートに実際に書かれているもの

メロディライン。 通常のリズムと音高で記譜される。
五線の上に書かれるコードシンボル。 (Cmaj7、Dm7、G7など)ハーモニーをすべて書き出す代わりに使われる。
曲の構成を示すマーカー。 Aメロ、サビ、ブリッジなど。すべての小節を細かく書き出さなくても、プレイヤーが曲の形を把握できるようにするためのものだ。
歌詞。 ボーカルがある場合、メロディの下に揃えて記載される。

何が含まれていないかにも注目してほしい。完全なドラムパート、音符一つひとつまで書かれたベースライン、バックのハーモニーパートだ。リードシートは、コードシンボルとプレイヤー自身の音楽的判断からそれらを補ってもらうことを前提としている。これこそが、バンドやセッションミュージシャンが何十年もフルスコアではなくこのフォーマットを使い続けてきた理由そのものだ。

MIDIベースのワークフローでこれが重要な理由

トラックがMIDIとして存在している場合――生成されたものでも、打ち込まれたものでも、録音されたものでも――メロディとハーモニーの内容はどちらもすでに構造化された正確なデータとして手元にある。そこからリードシートを抽出するのは、他所で扱われている「フルアレンジから記譜へ」というバージョンよりもずっと限定された問題になる。実際には2つのことが同時に起きている。メロディの主旋律を記譜として取り出すことと、背後のコードトラックを解析してフルに書き出されたハーモニーではなくコードシンボルを生成することだ。

コードシンボルの抽出そのものも、それ自体が小さな問題だ。ある瞬間に鳴っている音を見て、それらが構成する和音(三和音か、セブンスコードか、転回形か)を特定するということであり、音符を一つずつ書き出すこととは違う。これがうまくいけば、プロデューサーが作ったコード進行は、セッションで渡されるチャートを読むのと同じ感覚で、ギタリストやキーボーディストが一目で読めるものになる。

リードシートが適している場面

セッションミュージシャンを予備知識なしで現場に迎えるとき。 曲について長々と口頭で説明する必要がなくなる。
ライブバンドのために曲のチャートを作るとき。 各プレイヤーは固定されたパートではなく、曲の形とコード進行さえ知っていればいい。
まだ曲を聴いたことがない、楽譜を読んで演奏できるコラボレーターに曲のアイデアを送るとき。
自分の作品をコンパクトで使い回しやすい形の個人的なソングブックとしてまとめるとき。

代わりにフルスコアが欲しい場面

特定のベースライン、正確なドラムパターン、特定のボイシングなど、すべてのパートが重要な場合、リードシートは本当に必要な情報を削ぎ落としてしまう。そういう場合に必要なのは、完全で詳細な書き起こしの方だ。この根底にある考え方をフルアレンジのバージョンで見るにはMIDIから楽譜へを参照してほしい。この2つは競合するアプローチではなく、それぞれ違う受け渡し方のための違うツールだ。どちらを選ぶべきかは、相手のミュージシャンにどれだけ解釈の自由を渡したいかに完全にかかっている。